Hay una nueva instalación en Hangar Bicocca que trabaja en la mezcla de espacio, sonido y arquitectura. El artista alemán Carsten Nicolai muestra, hasta el 2 de Diciembre, Undisplay: una video proyección sonora de corte minimalista de 41 metros de largo.

Mas información aqui 

Via Frame Publishers

Reddress es una instalación y un espacio performático con forma de un vestido gigante de color rojo. Construido con 550 metros de tela conforma un diámetro de 20 metros y alcanza los 3 metros de altura. Diseñado por Aamu Song, del estudio finlandés Company, el Reddress nos hace cuestionarnos los roles que jugamos como participantes activos aumentando los límites experimentales de la visita a la instalación artística. Solo hay que quitarse los zapatos e interactuar.

Durante la London Design Week , el REDDRESS se podrá visitar y acogerá de una serie de conciertos por la noche y eventos durante el día, en el legendario York Hall, del 22 al 25 de Septiembre.

Si te interesa:

The red Dress

Company

London Design Week 

En los edificios religiosos, cuando algún elemento constructivo, material, color o espacio cambia se presenta como una intervención que modifica radicalmente el significado y la percepción del espacio. La catedral York Minster es una de las más grandiosas del mundo. Recientemente, con motivo del Queen’s Diamond Jubilee, y para recaudar dinero para el fondo de la York Minster, se invitaron a 900 personas a una cena en la catedral. Para el evento, se cubrió el suelo de la catedral con 1500 metros cuadrados de césped auténtico. Fué posible gracias a Wow! Grass! una empresa que instala césped en las localizaciones más insospechadas, suelos, paredes, escaleras... Con ésta modificación aparentemente sencilla pero tan radical, el espacio de reflexión, sagrado e introspectivo se difumina y el ambiente religioso se transforma en un espacio más lúdico e informal.

Si te interesa:

http://www.yorkminster.org/

http://www.thediamondjubilee.org/

http://www.wowgrass.com/category/thingsweredoing/

Ha tenido lugar en Montpellier la 7ª edición del Festival des Architectures Vives, en esta ocasión con el tema “Sorpresa”. Durante una semana, el fesival ha conseguido abrir una serie de patios del casco antiguo de Montpellier albergando intervenciones efímeras de los 11 equipos de arquitectos de todo el mundo.

Una convocatoria abierta eligió los participantes entre más de 100 propuestas internacionales. Uno de los proyectos seleccionados, que se ha mostrado en uno de los patios, es ”Cité surprise, cité surprenante” del equipo de arquitectos españoles, Tri oh! Ateliers, formado por Cristina Sánchez y Javier Peña. Su propuesta ha tenido más de 5.000 visitas hasta ayer que fué su clausura.

”Cité surprise, cité surprenante” es una instalación que cambia la visión sobre Montpellier: 40 cajas suspendidas a diferentes alturas invaden el patio y nos esperan con sorpresas. Al caminar alrededor, introducirse y ocultarse en el interior, el visitante, protagonista de la instalación, descubre la ciudad escondida, los espacios olvidados y los vacios. Presenta un recorrido virtual de los 10 imprescindibles (#Must) de la ciudad que nos permiten descubrirla sin visitarla. Las cajas se convierten en caleidoscopios, con miradas sorprendentes sobre el patio y sobre el resto de visitantes. 

Una propuesta muy inspiradora y sobre todo altamente estética en la que la economía de medios no ha impedido que la ejecución sea además impecable.

Te interesa:

Javier Peña

Festival des Architectures Vives

 El arquitecto-artista suizo, que vive y trabaja en Londres, Nicolas Feldmeyer utiliza para la obra ''untitled (woven portico)'' un edificio existente como base para crear nuevas texturas, espacios e incluso atmósferas.
La forma de ejecución es muy sencilla pero el resultado es impresionante. La intervención dialoga con la estructura del edificio adaptándose a su ritmo. El material utilizado tan ligero contrasta fuertemente con los pesados materiales de construcción del pórtico de la University College London.

Te interesa:

Nicolas Feldmeyer

Ésta es la última instalación del artista francés David Letellier. Es una increíble escultura sonora en la que los 300 metros de cables y la cuerda levitan en el espacio relacionándose con la arquitectura, en la totalidad de espacio vacío de la iglesia en la que se inserta. El sonido que se genera recuerda a melodías religiosas. Es muy interesante el contraste entre la pesada masa de la arquitectura de la iglesia y la ligereza de la instalación que parece levitar y ser solo una sombra. El edificio se convierte en un reproductor de sonido gigante cuyas cuerdas son catenarias son un reflejo de los propios arcos de la iglesia.

'' Creado para la capilla de Saint-Sauveur-en Caen, Caten es una escultura que levita, marcada por la gravedad que marca la evolución de una composición sonora.
300 alambres finos suspendidos de dos cuerdas, conectados entre sí en cada extremo a un brazo que gira lentamente, forman una superficie evanescente que interactúa con la arquitectura.
Por un efecto de espejo simbólico, las curvas de los alambres, reflejan las formas de los arcos iglesia. Caten se opone a lo efímero a lo eterno, el movimiento a la estática, y produce una tensión entre la ligereza y la estabilidad milenaria del espacio.
La composición de sonido está inspirado en oraciones medievales, especialmente la primera estrofa de "Ut Quéant Laxis", también conocido como el "himno a San Juan Bautista", que se utiliza en el siglo XI para determinar los nombres de las notas de la escala utilizados en los países latinos.
En cada turno, los motores emiten una de las primeras 4 notas de la escala (Ut, Re, Mi, Fa), creando una secuencia de intervalos, en constante reconfiguración. Las bajas frecuencias resuenan en el espacio y enfatizan el carácter trascendental de un lugar, una vez dedicado a la fe.
El nombre Caten viene del término catenaria , que describe la curva plana formada por una cuerda que cuelga entre dos puntos.''

MÁS INFO:

Inés Caballero

Studio Toogood firma esta instalación en colaboración con la marca comercial NIVEA para el Salone del Mobile 2012. Es una escenografía diseñada para transmitir sensaciones, reales, físicas, relacionadas con todos los sentidos que regalará al visitante una experiencia sensorial positiva asociada a dicha marca comercial. 


Según el propio estudio:
'' ‘la cura’ es un antídoto visual contra el caos del Salone del Mobile, un hospital para los sentidos donde los visitantes son invitados a restablecer el equilibrio mediante una seri de actuaciones (performances) intimas. Mientras se experimenta una composición de luz y sonido terapéutica producida en colaboración con Kite & Laslett los visitantes reciben una bola de arcilla blanca que mueden moldear, dando forma a algo que refleje su propia expresión individual y estado de ánimo. Estas obras de arte, llamadas 'The Cures' se recogerán al final de cada actuación y se unirán en El Pabellón durante las emana para crear una escultura colectiva. Para 'La Cura' Los diseñadores de comida Arabeschi di Latte de Underkitchen han preparado una bebida energética diseñada para reestablecer el espíritu y la chispa de la gente. Los visitantes se podrán sentar en las 40 'Spade Chairs' diseñadas por Faye Toogood, cada una de ellas protegida utilizando tapicería hecha de fieltro, lienzo, piel de oveja, plumas, látex, gamuza y venda. El aire estará impregnado de una esencia hecha por los perfumistas 12.29, que estará diseñada para capturar la esencia del color blanco en su formato oloroso.''

Estará en:

Sala Biancamano, National Museum of Science and Technology Via Olona 6 20123 Milan Martes 17 a Domingo 22 de Abril. 

(Por Inés Caballero)

Una definición aproximada para el coleccionismo sería: es una afición que consiste en la agrupación y organización de objetos de una determinada categoría. Las colecciones siempre me han impresionado bastante porque la agrupación de objetos bajo un criterio personal resultan admirables por el componente estético del resultado final y por el pesado contenido intelectual que existe tras ellas. Depende por supuesto de la persona que colecciona y del objeto coleccionado pero en la mayoría de ocasiones una buena colección es como un proyecto artístico comisariado involuntario. En el que se elige minuciosamente el objeto, se estudia el contenido intelectual y en muchas ocasiones se expone o cataloga. 

La exposición del artista Chino Song Dong consiste en el rescate, documentación y exposición de miles de objetos de que coleccionaba su madre durante años. Bajo el título ''waste not'' el artista ha creado una exposición-instalación artística extremadamente estética con una historia muy personal detrás.

The Barbican, en Londres acogerá la exposición desde el 15 de Febrero al 12 de Junio 15 February 2012 - 12 June 2012. 

Según Barbican:

''Esta es la primera gran exposición del artista chino, Song Dong. Una meditación conmovedora sobre la vida familiar y la infancia del propio artista durante la Revolución Cultural China. La instalación se compone de más de 10.000 objetos que la madre de Song, Zhao Xiangyuan, coleccionó desde una sección de cosas de la familia a las ollas de metal y recipientes de plástico, las mantas, tapas de botellas, tubos de pasta de dientes y juguetes. durante más de cinco décadas. Estos objetos van

La acción de guardas cosas y reutilizarlas tiene mucho que ver con el proverbio chino wu jin qi yong, que significa waste not, un requisito para sobrevivir durante los períodos de agitación social y política.

A Song Dong se le conoce por sus instalaciones de arte conceptual y performances de carácter personal. Para esta exposición, Song Dong a desarrollado una nueva variación de este proyecto que ya fue concebido por primera vez en el 2005 y sigue siendo de grandísima importancia para el artista. De forma inesperada y trágicamente Xiangyuan Zhao falleció en un accidente en 2009 y cuando Song Dong habla de este trabajo, asistido por su hermana, Song Hui, y su mujer Yin Xiuzhen toda la familia se reúne de nuevo. Los recuerdos se reavivan y los objetos personales de la familia se vuelven a descubrir, haciendo resurgir fuertes emociones. Waste Not habla de los fuertes lazos entre los miembros de la familia y el poder de los objetos para contar historias y dar forma a nuestras vidas.''

  

En definitiva, una colección que surge de la necesidad y de la tradición se ha convertido en una admirable obra de arte.

Barbican

Song Dong

Song Dong en el Moma

Ayer se anunciaba el premio Pritzker de arquitectura de este año: Wang Shu arquitecto de 48 años cuyo estudio fundado con su socia y esposa en 1997, Amateur Architecture Studio, se encuentra en la ciudad de Hangzhou, muy cerca de Shangai.

En el año 2000 termina su primer proyecto grande: la Biblioteca de Wenzheng College y desde entonces ha desarrollado una linea comprometida de proyectos en los que combinan la sabiduría de la arquitectura tradicional china con nuevas técnicas constructivas.
Wang Shu, junto a Amateur Studio, ha estado presente en dos de las últimas Bienales de Arquitectura de Venecia. En el 2006 y en el 2010.

 En la 10ª edición de La Bienal de Venecia (2010), presentan la instalación The Decay of a Dome. Esta es una estructura muy ligera, cuya forma se ajemeja a las cúpulas clásicas de la arquitectura occidental pero tiene claros criterios chinos en su diseño. No necesita una base de apoyo y tiene los mínimos componentes constructivos por lo que se puede montar, desmontar y transportar muy fácilmente. En vez de buscar inspiración en nuevos conceptos, el trabajo de Wang Shu surge en base a la historia y a la cultura y a la arquitectura vernácula china. Esta instalación, con todo lo que parece de sencilla, nos muestra a la vista un croquis en tres dimensiones que nos transmite el orden que seguro está en la cabeza de Wang Shu.

(imágenes©designboom)

 

En la 8ª edición de La Bienal de Venecia (2006) Wang Shu presenta Tiles Garden tile garden, como Pabellón Chino en dicha Bienal. Esta instalación está inspirada en los tejados de sus diseños que así mismo están inspirados en las cubiertas clásicas chinas que se cubrían con tejas tradicionales como las de la instalación. Es como un mar de 66.000 tejas grises chinas que se recorren sobre un puente de bambú. Estas venian de proyectos de demolición de diferentes lugares de China donde se estaba haciendo nuevas construcciones. Con esta instalación nos quieren hacer entender la importancia de intentar mantener los modelos tradicionales a pesar de lo rápido que cambian los contextos de vida.

(imágenes©Lu Wenyu)

Y Ahora, después de haber visto y leído sobre el trabajo de Wang Shu y Amateur Studio, me quedo un poco más tranquila. Veo claramente que podemos confiar en una arquitectura, diseño y criterios Made in China. Ésta no responde al concepto de baja calidad que tenemos sobre China y estoy segura que si exportan su trabajo también será maravilloso.

Después de dos entradas prácticamente en blanco y negro ahora ésta es una escenografía hipercromática. Del siempre maravilloso Olafur Eliasson, Your Rainbow Panorama es una instalación permanente en el edificio del ARoS AarhusKunstmuseum (Dinamarca). Es una construcción a modo de pasillo circular de 150 metros de largo por tres de ancho, cerrado con vidrio tintado en los colores del arco iris en transición progresiva. La pieza no invade el edificio original sino que se posa sobre él a modo de corona.

La instalación permite al visitante deambular dentro de un espacio cuyo ambiente está impregnado de color. Dicho paseo en 360 º, filtrado con los colores del arcoiris, ofrece una visión cambiante de la ciudad a lo largo del recorrido, que además es cambiante con la intensidad y color de la luz natural. El visitante podrá observar un paisaje que con el efecto de los diferentes colores serán en ocasiones más bellos, o más mágicos, o más lejanos o incluso irreconocibles. Un paisaje modificado por el artista como si éste pintara encima con finas capas de color.

Lo interesantes de esta instalación es también que el espectador experimenta el concepto del color cuando se sale del formato tradicional. En esta instalación el color está en el aire y la percepción sobre el propio espacio cambia sustancialmente. Muchas sensaciones físicas están relacionadas con los colores: la temperatura, la percepción dimensional, las sensación anímica, la energía transmitida...y además, dependiendo de cada persona, esas percepciones pueden variar. Por eso es el propio espectador en este caso una parte fundamental de la obra porque además de observador es un ``lienzo´´ que también recibe cambios cromáticos y sin él la instalación no tendría completo significado.

Con muchas ganas de que llegue ya el verano dejo aquí tres ``soles´´ a cuál más grande y emocionante.

***El primer sol es el último proyecto (junio 2010) del gran Rafael Lozanno Hemmer: Solar Equation. Es una instalación para el festival ``the light in the winter´´en Melburne. Consiste en una maqueta que simula exactamente la fisonomía sol 100 millones de veces mas pequeña. . Rafael Lozanno Hemmer combina en todos sus troyectos tecnologia y poesía en su justa medida. Con éste parece querernos recordar mostrandonos su lado más científico una imagen más que romántica del sol: efimera y evocadora.



***El segundo sol es la instalacion del 2003 de Olafur Eliasson ``the weather proyect´´ en el patio de turbinas de la Tate Gallery de Londres que supuso toda una experiencia que tenia un gran sol artificial como protagonista. Un espejo que cubria todo el techo de la sala, un sueve olor dulzón y una fina bruma hacian que el visitante se rindiera y ``tomara´´ el sol tumbado plácidamente olvidandose del mal tiempo Londinense como inmersos en unas minivacaciones.


***El tercer sol que dejo es de Helmut Smits. Un artista visual de Rotterdam, Holanda. El proyecto se llama ``Skirting Board Sunset´´( del año 2008). Os encantará a todos a los que os gusten las cosas sencillas. No tengo claro si se trata de una escultura, una instalación o una lámpara pero su diseño inteligente atrapa. Dan ganas de tener uno en casa.

Mientras tanto: esperando que salga el sol!

¿Será que dividir una casa por la mitad es tan fácil como esto?

Gordon Matta Clark estudió arquitectura en la Universidad de Ithaca en el Estado de Nueva York y literatura en París, pero decidió ser artista y no ser ni ejercer de arquitecto. Las intervenciones en edificios (cortándolos, seccionándolos, troceándolos, agujereándolos, desplazándolos) le permitieron materializar ideas sobre el espacio que él intuía.Las dualidades que fue descubriendo, reflejadas en sus montajes fotográficos (vertical/horizontal, interior/exterior, vacío/lleno), resumen a través de sus experiencias ideas filosóficas sobre el espacio. Cortes que conforman una narración gráfica y textual que explica tanto el proceso de la obra como su contexto.

Circulan escombros por las galerías de arte más consagradas como memoria de su obra ya que todos esos espacios después se demolian. Una manera de llevar a un espacio expositivo la esencia de una obra de arte que sólo puede estar en la calle...

En los últimos 50 años Detroit ha perdido más de la mitad de la población. Aquellos que se iban de la ciudad se escapaban a los suburbios. Desde entonces la recaudación de impuestos se ha visto reducida y la población que queda allí tiene que gestionar la ciudad con recursos limitados.
Una de las consecuencias de esto fue el cierre de numerosos colegios públicos. Con el paso del tiempo y los actos vandálicos que se han sucedido inevitablemente, los espacios se muestran como autenticas instalaciones artísticas cargadas de poesía, memoria y sobre todo mucha fuerza.

Fotografias de JAMES GRIFFIOEN. No dejeis de pasaros por su web.
Encontrado en VICE

En la instalación “Of How We Have to Leave Doubts, Expectations and the Unachieved” del artista André Gonçalves, cada vez que un visitante entra en la habitación, un globo es liberado del acuario gigante que está al fondo de la sala. Entonces unos ventiladores industriales mueven el globo por la sala de una forma impredecible. Una camara envía una señal a un ordenador que calcula la distancia, el angulo y la velocidad del globo. Esos datos se envían a una pistola de ``paintball´´ que intenta explotar el globo. ¿ y el visitante? ¿qué hace mientras? ¿Observa? Se podría haber encargado él de la pistola... Aunque el robot-pistola lo hace fenomenal!!! El resultado plástico es aleatorio y explosivo pero a la vez contenido. Seguro que un par de personas no hubieran dejado ninguna zona libre de la pared! En el fondo... las maquinas saben lo que hacen(...)

Mirar el video

Nothing es una agencia de creatividad que estrena oficina en Amsterdam. Diseñada por Alrik Koudenburg y Joost van Bleiswijk con un material bastante efímero: el cartón. Un espacio sincero y muy expresivo que parece una maqueta a tamaño real.

Los trabajos fotográficos de Gillian Brown se deconstruyen en el espacio. Pueden observarse desde todos los puntos de vista, aunque sólo es desde un lugar exacto desde donde se puede ver la imagen reconstruida a la perfección.

Parecen Piedras de río: frias, duras y pequeñas?

Con un poco de imaginación pueden no serlo...

Y resulta que son, blanditas, suaves y seguro que huelen bien!

Esta instalación (Livingstones,2008) de la diseñadora francesa Stephanie Marin reimagina la idea de escala, material y sensaciones. Podría ser perfectamente un paisaje encontrado más que una pieza de mobiliario.

Y sus tree-dishes son más que apetecibles...eh!